在一般人的认知里，美术首先是“美”的，能给人带来身心的愉悦，能让人感受到世界的美好。从古希腊雕塑的和谐匀称，到文艺复兴画作的典雅写实，从中国工笔画的细腻传神，到文人画的意境悠远，艺术始终以捕捉美、呈现美、升华美为核心使命，承载着人类对理想形态、诗意生活与精神高地的向往。然而步入当代，一股“以丑为美”“躲避崇高”“解构神圣”的风潮在艺术圈愈演愈烈，诸多充斥着怪诞、粗鄙、扭曲元素的作品，即便身披“先锋”“创新”的外衣，甚至斩获官方奖项，也难掩其对审美本质的背离，更让大众对艺术的认知陷入深刻迷茫——中央美院教授田世信的系列历史人物雕塑、第四届全国美展金奖作品《同唱》，以及近年来引发热议的多件争议作品，正是这一乱象中极具代表性的负面例证。

田世信的雕塑创作，早已因对历史先贤的“丑化式变形”深陷争议。作为专业院校的资深创作者，其本应是艺术审美与文化敬畏的守护者，却在老子、鲁迅、秋瑾等历史人物题材上，走向了“为怪而怪”的歧途。其2003年创作的《刚柔之道――老子像》，以“吐舌露齿”的怪异造型呈现道家圣人，全然背离了老子谦和深邃、朴素温润的文化共识，被网友质疑为“吊死鬼”般的鬼脸，即便创作者声称源自“刚柔之道”的典故，也因造型的粗鄙化表达，让大众难以感知思想内核，只剩视觉上的不适感。而他塑造的鲁迅、谭嗣同等形象，更以五官拉长、脸型走样、肢体比例失衡为特征，将先贤的庄重与风骨消解为滑稽的夸张，彻底打破了公众对历史人物的情感认同与文化敬畏。这类作品将“变形”等同于“创新”，以“怪异”标榜“深刻”，本质上是对雕塑造型规律的漠视，更是对文化传统的轻率解构，暴露了当代艺术创作者在审美认知上的严重偏差。

如果说田世信的雕塑是专业创作者对审美底线的突破，那么第四届全国美展金奖作品《同唱》的获奖，则标志着“以丑为美”“亵渎神圣”的倾向已渗透到官方评价体系。这部以解放战争时期四野文工团女兵为原型的雕塑，本应传递革命年代的勇毅与崇高，却因人物塑造的丑化与精神内核的缺失引发广泛质疑。作品中六位女兵被塑造成“傻不拉几、流着哈喇子、长着死鱼眼”的麻木模样，既无历史照片中文工团员的英姿飒爽，也不见战争岁月里的乐观奋进，反而以呆滞的神情、失衡的体态消解了英雄群体的精神张力。创作者虽声称追求“真实状态”，却混淆了“真实”与“粗丑”的界限——真正的现实主义创作，应捕捉苦难中的人性光辉，而非放大生理与精神的猥琐;即便采用倾斜造型追求形式张力，也需以扎实的塑造功底支撑，而非让作品呈现“水一冲就会倒掉”的脆弱感。这样一件背离主流审美、涉嫌丑化英雄烈士的作品能斩获最高奖项，不仅是对历史的不尊重，更反衬出当前艺术评价体系对“丑”的纵容与误读。

近年来艺术圈的争议作品，更是将“以丑为美”的荒诞推向新高度。曾有某艺术家展出的“留守儿童”主题雕塑，刻意将孩童塑造成头颅硕大、四肢纤细的畸形模样，面部表情扭曲如鬼魅，全然不见留守儿童的纯真与坚韧，反而以夸张的丑态消费苦难，博取所谓的“社会关注度”;某画展中一幅名为《都市焦虑》的油画，通篇以污黑、暗红的色块肆意泼洒，画面中人物五官模糊、肢体残缺，被解读为“对现代社会压力的隐喻”，可剥离晦涩的评论话术，只剩赤裸裸的视觉暴力，让观者感受到的不是共情，而是生理上的排斥与心理上的压抑;更有甚者，将生活垃圾、废弃器械直接堆砌在展厅，冠以“装置艺术”之名，美其名曰“反思消费主义”，实则是对艺术创作的敷衍与亵渎，彻底模糊了艺术与垃圾的界限。

这些争议作品的扎堆出现，绝非孤立现象，而是“以丑为美”的审美歪风在艺术圈蔓延的必然结果。它们共同的病灶在于，将“丑”当作艺术创新的捷径，将“怪异”视为思想深刻的标签，却彻底背离了艺术的本质——艺术可以批判现实、可以揭示苦难，但批判不等于展示丑陋，揭示不等于放大不堪。梵高的《吃土豆的人》刻画底层民众的困顿，却通过厚重的笔触与温暖的色调，传递出人性的尊严与生命的韧性;罗中立的《父亲》描绘老农的沧桑，却以细腻的写实手法与饱含深情的刻画，让观者感受到父辈的艰辛与伟大。这些经典作品从未回避苦难，却始终以美的内核作为精神支撑，这正是当下诸多争议作品最匮乏的品质。

更令人忧虑的是，这类负面作品的流行，正在不断侵蚀艺术的核心价值，对艺术生态造成难以逆转的伤害。其一，消解大众的审美信任。当丑怪作品频频登上艺术殿堂、斩获权威奖项，大众难免对艺术评价体系产生质疑，逐渐丧失走进美术馆、欣赏艺术作品的兴趣，让艺术沦为小众圈子的自嗨游戏。其二，误导青年创作者的方向。当“越丑越出圈”成为可复制的路径，越来越多年轻创作者放弃对造型、色彩、构图等基本功的打磨，转而追求噱头与猎奇，形成“重形式轻内涵、重怪诞轻美感”的创作歪风。其三，割裂艺术与时代的联结。艺术本应是时代精神的载体，是大众情感的共鸣，而以丑为美的作品，要么沉溺于个人化的晦涩表达，要么刻意制造视觉冲击，既无法反映时代的真实面貌，也难以引发大众的情感共振，最终让艺术与现实生活渐行渐远。

当代艺术的“审丑”迷途，根源在于对艺术本质的遗忘。无论是田世信早年《刺梨花》等作品的成功，还是经典雕塑跨越时空的感染力，都证明艺术的核心永远是美——这种美可以是典雅的、朴素的，也可以是悲壮的、刚健的，但绝不能是粗鄙的、麻木的、猥琐的。艺术的创新，从来不是摧毁美、丑化美，而是在传承美的基础上拓展表达边界;艺术的评价，也不应脱离大众的审美共识与文化情怀，更不能背离对历史、对英雄的基本敬畏。

当代艺术亟待一场审美回归。创作者应重拾对造型规律的尊重，像经典作品的创作者那样锤炼技艺、观照人性;评价体系需重建美丑的评判标准，摒弃对“怪诞”的盲目追捧，让真正兼具艺术价值与精神内涵的作品脱颖而出;而整个艺术圈更应反思：当雕塑不再传递崇高、画作不再滋养心灵，艺术终将失去存在的意义。唯有坚守美、捍卫美、创造美，当代美术才能走出“以丑为美”的泥潭，重新赢得大众的认可与尊重。